Với sự trưng bày năng động của các sản phẩm may mặc, ảnh và bản phác thảo màu nước, triển lãm năm 2013 Stephen Burrows: When Fashion D Dance , tại Bảo tàng Thành phố New York, đã sống đúng với tên gọi của nó và là một ví dụ điển hình của thời trang là nghệ thuật trình diễn. Những con ma-nơ-canh được tạo dáng động học, ăn mặc theo phong cách không thể nhầm lẫn của Burrows — một bảng màu bắt mắt, các họa tiết được ngăn chặn bằng màu sắc và những sợi rau diếp xoăn bồng bềnh — gợi lên những bước nhảy năng lượng cao của bối cảnh câu lạc bộ những năm 1970. Hiệu ứng cũng giống như hiệu quả của việc sắp đặt, và tại buổi khai mạc đầy sao, người mẫu Iman đã bày tỏ sự vui mừng tuyệt đối khi những thành tựu của Burrows trong lĩnh vực thời trang đang được tôn vinh trong một viện bảo tàng.
Quần áo, từng được coi là hiện vật văn hóa hoặc ví dụ về nghề thủ công, đã chuyển sang vị trí trung tâm trong các cuộc triển lãm bảo tàng khi Diana Vreeland đưa ra xu hướng này. Năm 1972, cựu biên tập viên của tạp chí Vogue và Harper's Bazaar đã nắm quyền điều hành Viện Trang phục của Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan (Met's) ở Thành phố New York. Các cuộc triển lãm ngoạn mục của cô — được hình thành với tất cả sự tinh tế của một buổi chụp ảnh bóng bẩy — đã biến một bộ sưu tập phụ trợ trở thành một điểm thu hút nổi tiếng, thu hút đám đông chưa từng có cũng như quyên góp thời trang cao cấp hiện đại và đương đại từ những người bảo trợ hào phóng, những dịch vụ đã làm thay đổi giá trị lịch sử. Dưới sự quản lý của Vreeland, sức hấp dẫn phổ biến của thời trang đã tiếp thêm sức mạnh cho khái niệm khó tính về trang phục lịch sử.
Trong thập kỷ qua, các cuộc triển lãm như “Những mối quan hệ nguy hiểm” (2004) của Met, một sự sắp đặt của những bộ quần áo lộng lẫy từ thế kỷ 18 trong các căn phòng thời Pháp, đã nâng cao vị thế cũng như hồ sơ của quần áo trong các bộ sưu tập bảo tàng. Ngoài ra, vào năm 2011, hồi tưởng về thời trang “Alexander McQueen: Savage Beauty” đã phá vỡ kỷ lục tham dự triển lãm thời trang của Met tại Viện trang phục và định nghĩa lại thời trang về mặt mỹ thuật. Một số lượng lớn các cuộc triển lãm chưa từng có trong năm 2013 bao gồm quần áo - cả lịch sử và thời trang - như một phần của khái niệm chính. The Met là một trong ba viện bảo tàng gắn “Chủ nghĩa ấn tượng, Thời trang và Hiện đại”, nơi trưng bày các sản phẩm may mặc đích thực được cài đặt bên cạnh các bức tranh để tôn vinh vai trò của thời trang ở Pháp cuối thế kỷ 19, và Met đã dàn dựng “Punk: Chaos to Couture,”Khám phá punk như một hiện tượng văn hóa làm mờ ranh giới giữa nghệ thuật, cuộc sống đường phố, lối sống và thời trang. Một chương trình khác là “Những lần xuất hiện có thể lừa dối: Những chiếc váy của Frida Kahlo,” tại Casa Azul (trước đây là nhà của họa sĩ ở Thành phố Mexico), trong đó tủ quần áo không chính thống của cô được trưng bày như một phần trong quá trình hoạt động nghệ thuật của cô.
Một cách tương ứng của thời trang đã được nhìn thấy trong nghệ thuật đương đại. Nghệ sĩ người Bỉ Isabelle de Borchgrave đã lấy cảm hứng từ những bức chân dung của các bậc thầy thời Phục hưng như Botticelli và Bronzino cũng như các thiết kế thời trang cao cấp cổ điển của Mariano Fortuny và Christian Dior cho những tác phẩm điêu khắc may mặc toàn diện tuyệt đẹp của cô; mọi đặc điểm — trang trí hoặc cấu trúc — đều được thể hiện tỉ mỉ trên giấy. Bộ sưu tập âm thanh toàn thân của Chicagoan Nick Cave đã kết hợp lễ hội hóa trang với tác phẩm điêu khắc có thể đeo được. Phương tiện yêu thích của nghệ sĩ người Anh-Nigeria Yinka Shonibare là vải batik hai mặt do công ty Vlisco của Hà Lan sản xuất, từ đó ông đã tạo ra những bộ quần áo lấy cảm hứng từ lịch sử. Vải Vlisco lần đầu tiên được tạo ra vào năm 1846 như là một sản phẩm thay thế cho kỹ thuật sử dụng nhiều lao động của vải batik của Indonesia. Sau đó, nó được tiếp thị ở miền tây và trung Phi,nơi nó trở nên phổ biến trong giới thượng lưu địa phương. Shonibare mô tả loại vải này là "được lai tạo" và sự phức tạp của nguồn gốc của nó làm tăng thêm trọng lượng biểu tượng cũng như vẻ đẹp cho bộ trang phục khiêu khích của ông.
Trong số các nghệ sĩ trẻ người Mỹ, thời trang cung cấp nhiều hơn cảm hứng hoặc hình tượng; về mặt nhận dạng và thẩm mỹ, nó không thể thiếu trong nghệ thuật của họ. Để mặc những tác phẩm điêu khắc mềm mại như This Yellow Shell (2013) và Soul Elsewhere(2013), Shinique Smith sống ở Brooklyn đã chế tác áo phông, quần jean và giày thể thao. Sự đột biến kỳ lạ của những bộ quần áo quen thuộc đã làm tăng thêm sinh lực mạnh mẽ cho hình dáng đầy đặn của cô. Kehinde Wiley lấy cảm hứng từ những bức tranh nổi tiếng của châu Âu, nhưng như đã thấy trong tám bức chân dung trong triển lãm năm 2013 “Memling” của mình, anh ấy đã thay thế những vị thánh và kẻ trộm Flemish lộng lẫy của Hans Memling bằng những người đàn ông Mỹ gốc Phi trẻ tuổi ăn mặc theo phong cách hip-hop hung hãn và Văn hóa đường phố New York. Delano Brown đã kết hợp đầy đủ thời trang vào nghệ thuật của mình đến mức ông đã vẽ các họa tiết hoa trên những chiếc váy do người mẫu trực tiếp mặc trong cuộc triển lãm của mình tại Phòng trưng bày quần áo thông minh ở khu Lower East Side của Manhattan. Brown nói rằng phương pháp của anh ấy — một phần biểu diễn và một phần sản xuất — đã làm cho nghệ thuật trở nên dễ tiếp cận, lưu ý rằng không giống như một “bức tranh trị giá 50.000 đô la,"Một mặt hàng quần áo" là điều mà mọi người đều hiểu. "
Trong bài đánh giá của nhà phê bình Holland Cotter về “Cánh hoa trắng bao quanh trái tim vàng của bạn” - một cuộc triển lãm nhóm năm 2013 (được tổ chức tại Viện nghệ thuật đương đại ở Philadelphia) khám phá tiền đề rằng “bạn mặc những gì bạn đang có” - ông ca ngợi sự thật rằng “ thứ thời trang như nghệ thuật ”đã trở nên“ lộn xộn và khó hiểu ”. Bởi vì ranh giới từng phân chia thời trang và nghệ thuật đã trở nên hoàn toàn thấm nhuần, các nhà thiết kế thời trang ngày càng trở nên phù hợp với tư cách là sự hiện diện trong thế giới nghệ thuật. Ví dụ, nhà thiết kế thời trang Karl Lagerfeld, người đã đảm bảo danh tiếng là một nhiếp ảnh gia có tay nghề cao, vào năm 2013 đã tổ chức một cuộc triển lãm “Fire Etchings”, những bức ảnh ngược sáng có kích thước trên tường được khắc trên kính, tại Galerie Gmurzynska ở St. Moritz, Switz . Cũng trong năm 2013, nhà thiết kế phụ kiện Reed Krakoff đã nhận được giải thưởng của Bảo tàng Nghệ thuật Hoa Kỳ Whitney. Để đánh dấu sự kiện anh ấy đã mời một số nghệ sĩ,đáng chú ý là nhà điêu khắc và thợ in Kiki Smith và nhiếp ảnh gia Nan Goldin, để giúp anh ta tạo ra các phiên bản tùy chỉnh của chiếc túi tote Reed Krakoff Track nổi tiếng của mình; các vật phẩm đã được trưng bày tại lễ trao giải và sau đó có sẵn để mua trong cửa hàng quà tặng.
Gần đây nhất là năm 2007 các thiết kế của Damien Hirst cho Levi's và Takashi Murakami's cho Louis Vuitton (được trưng bày trong một cửa hàng quà tặng được kết hợp với một hồi tưởng về tác phẩm của ông tại Bảo tàng Nghệ thuật Đương đại ở Los Angeles) đã gây ra cuộc tranh luận gay gắt về mối quan hệ giữa mỹ thuật và chủ nghĩa tiêu dùng . Tuy nhiên, đến năm 2013, những sản phẩm do nghệ sĩ thiết kế như vậy không chỉ được người tiêu dùng mong muốn mà còn được các nhà phê bình đánh giá cao. Ngoài ra, tiền hoa hồng cho các sản phẩm — và sự quảng bá mà họ tạo ra — đang được các nghệ sĩ săn đón một cách háo hức. Các nghệ sĩ đường phố Retna, Aiko và nhóm anh em sinh đôi Os Gemeos đã tạo ra những họa tiết graffiti sắc sảo cho những chiếc khăn quàng cổ và cột làm bằng lụa sang trọng của Louis Vuitton. Dòng thời trang nam thu đông của Vuitton giới thiệu một bộ quần áo từ đầu đến chân được chế tác bởi Chapman Brothers (Jake và Dinos).Mô-típ “Khu vườn trong địa ngục” của họ có họa tiết vải với những cành cây đan xen, hoa và động vật cách điệu trên nền đỏ như máu lấy cảm hứng từ căn hộ Manhattan của Vreeland. Nhà mốt Alexander McQueen đã khai thác Hirst để tạo ra một phiên bản mới của chiếc khăn đầu lâu của nhà thiết kế quá cố để kỷ niệm 10 năm giới thiệu dòng khăn của McQueen; Hirst đã tạo lại những con bọ, bướm và nhện lôi cuốn từ loạt phim Entomology năm 2009 của chính anh ấy như những phần bồi đắp thu thập dữ liệu trên những chiếc đầu lâu đặc trưng của McQueen.Hirst đã tạo lại những con bọ, bướm và nhện lôi cuốn từ loạt phim Entomology năm 2009 của chính anh ấy như những phần bồi đắp thu thập dữ liệu trên những chiếc đầu lâu đặc trưng của McQueen.Hirst đã tạo lại những con bọ, bướm và nhện lôi cuốn từ loạt phim Entomology năm 2009 của chính anh ấy như những phần bồi đắp thu thập dữ liệu trên những chiếc đầu lâu đặc trưng của McQueen.
Từ lâu, các nhà thiết kế đã tìm đến nghệ thuật để lấy cảm hứng, đáng chú ý nhất là bộ váy Mondrian khối màu của Yves Saint Laurent (1965) và dòng nghệ thuật Pop của ông (1966), trong đó có đồ họa hình trái tim và khuôn mặt. McQueen đã vận chuyển trường quay đến đường băng trong chương trình xuân hè năm 1999 của anh ấy khi anh ấy tạo ra hai robot phun sơn để biến số 13, một chiếc áo choàng muslin quây của người mẫu Shalom Harlow khi cô ấy xoay trên bàn xoay, thành một màu đen và vàng tranh trừu tượng. Trong bộ sưu tập mùa thu 2013, một số nhà thiết kế đã dành sự tôn vinh đặc biệt cho từ điển nghệ thuật-lịch sử: Maria Grazia Chiuri và Pier Paolo Piccioli đã sửa đổi bóng và các loại vải sang trọng của bức chân dung Flemish thành trang phục may sẵn cho Valentino. Tác phẩm nghệ thuật Byzantine phỏng theo các bức tranh ghép ở thành phố Ravenna, Ý, trang trí cho các quần thể của Dolce & Gabanna,được trang bị phụ kiện với những chiếc vương miện vàng nhỏ. Nhà thiết kế Raf Simons đã lấy nghệ sĩ Andy Warhol làm nàng thơ của mình khi tạo ra các họa tiết đồ họa vui tươi cho Dior. Tuy nhiên, Viktor & Rolf đã kết hợp nhuần nhuyễn giữa thiết kế và hiệu suất. Họ trở về cội nguồn thời trang cao cấp cho buổi trình diễn kỷ niệm 20 năm của họ ở Paris, tạo ra những sản phẩm may mặc chìm trong len đen mờ sang trọng. Mỗi người mẫu từ từ bước lên đường băng, dừng lại và hạ mình xuống sàn trong tư thế biến cơ thể mặc quần áo của mình thành tác phẩm điêu khắc. Bức tranh giả bàn tập thể ngoạn mục — gợi lên những hình thức đơn giản nhưng đầy khuấy động của những tảng đá được sắp xếp có chủ ý trong một khu vườn thiền Zen — giúp giải quyết câu hỏi dai dẳng về ranh giới giữa nghệ thuật và thời trang. Bằng cách bác bỏ sự khác biệt giữa nghệ thuật khái niệm và thiết kế thời trang, Viktor & Rolf đã định nghĩa lại thời trang là nghệ thuật trình diễn.
